音乐评论,形容音乐动听的句子有哪些？

形容音乐美妙的句子有以下： 1、优美的灵魂，优美的歌谣。 2、温暖明净的歌。 3、清纯不一般的歌。 4、音乐是万德胚胎的源泉。不为音乐所动的人，我必定把他比做木石。假使身充教师而不会唱歌，那简直没有为人师的资格。 5、动听的音乐就像是飞舞的蝴蝶在空中翩翩起舞，也像是叮咚的泉水在山间流淌，有时候，也像是璀璨的星辰，在夜空用闪烁。 6、音乐是思维着的声音。 7、最初的时候，我很偏执，我的世界里除了摇滚就再也容不下其他了。很长一段时间，我的碟机里只会有一张碟，每次都是一张碟听很久再换成另一张。 8、音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示，谁能渗透我音乐的意义，便能超脱寻常人无以自拔的苦难。 9、让人深在浮世中，却有皓月当空，清风徐徐之感。 10、每当听到喜爱的，我都会竖起耳朵细细地品味，产生共鸣时感觉全身的毛孔都张开了，试图捕捉下落的每一个音符。如今的三维耳塞，让我能够感觉到钢琴大师的演奏过程，从左边滑到右边，又从右边跳到左边，如此的seamless，如此的fantastic！ 11、宛如阳春白雪，天籁之音，真是此曲只应天上有，人间难得几回闻啊！ 12、音乐是心灵的镜子，而且是铁面无情的镜子。 13、歌声余音绕梁，三日不绝，细细听来，一种深沉却飘然出世的感觉会理科占据认得心头，仿佛一切尘嚣都已远去，只有这天籁之音。 14、绕梁三日，余音不绝，欢快洒落在心窝里，宛如一些活泼轻盈的精灵，在为心灵进行一次洗礼。 15、音乐是灵魂的完美表现。 16、让人陶醉在优美的音乐旋律里而“沉醉不知归路”。

赞美歌声好听的句子有：
1、觉得他唱歌很大气，音调从低到高起伏很大，唱得荡气回肠，气势磅礴，绕梁三日，还有人唱得出这样的境界吗?
2、余音袅袅，不绝如缕。余音绕梁三日犹未尽。
3、此时听到的歌声，飘散着稻麦的芳香和泥土的气息，听到歌声，仿佛尝到了农家的新米饭和自酿的包谷酒。
4、哪知她于那极高的地方，尚能回环转折。几转之后，又高一层，接连有三四叠，节节高起。恍如由傲来峰西面攀登泰山的景象：初看傲来峰削壁干仞，以为上与天通；及至翻到傲来峰顶，才见扇子崖更在傲来峰上；及至翻到扇子崖，又见南天门更在扇子崖上：愈翻愈险，愈险愈奇。
5、那清脆的歌声，好似山谷中黄鹂的鸣叫，婉转动听，让人沉醉其中。
6、优美的歌声在教堂内缓缓回荡。
7、歌声悠扬如清晨带着微点露珠的樟树叶。
8、你在我眼中最迷人，你歌在我耳畔最动听。
9、歌声，常常另自己脑海中浮现出画面，自己的情绪也会因为歌词或曲子而情绪化，歌的每一个音符，每一处声音，都会让自己的脑海放松，活跃，自己的身体跳动，休止，自己的情感流泪，大笑。
10、歌声悠扬，淳朴，象谆谆的教诲，又象娓娓的谈话，一直唱到人们的心里，又从心里唱出来，弥漫整个广场。声浪碰到群山，群山发出回响；声浪越过延河，河水演出伴奏；几翻回荡往复，一直辐散到遥远的地方。
12、歌声悠扬如清晨带着微点露珠的樟树叶。你的歌声婉转动听，让人赞不绝口，令我心潮澎湃！此音只应天上有，人生难得几回闻。

13、把每天当成是末日来相爱，一分一秒都美到泪水掉下来，不理会别人是看好或看坏，只要你勇敢跟我来，爱不用刻意安排，凭感觉去亲吻相拥就会很愉快，享受现在别一开怀就怕受伤害，许多奇迹我们相信才会存在。

14、走到瀑布跟前，只见银白色的水流像老爷爷的白胡子，一缕一缕地倾泻下来。风吹过来，把水吹成轻雾洒在我脸上，凉丝丝的。有几道水流好像有急事，匆匆地往下冲，一不小心，撞在岩石上，水花四溅，如飞珠碎玉般晶莹可爱。

15、转轴拨弦三两声，未成曲调先有情。弦弦掩抑声声思，似诉平生不得志。低眉信手续续弹，说尽心中无限事。轻拢慢捻抹复挑，初为霓裳后六幺。大弦嘈嘈如急雨，小弦切切如私语。嘈嘈切切错杂弹，大珠小珠落玉盘。

音乐评论所起的作用可以分两方面来观察：①对于听众来说，音乐评论起着启发、引导和教育作用。评论对听众介绍、分析音乐作品及演出的成败得失，提高听众对音乐的鉴别能力，培养并提高公众的审美趣味；②对于音乐家来说，音乐评论有助于他们冷静而客观地检验艺术实践，进行艺术总结，便于巩固成果，提高艺术水平；同时评论也代表群众的要求和希望，有助于音乐家掌握时代的脉搏，为以后的艺术活动指出方向。反过来看，音乐评论之所以能发挥作用，也在于评论家能充分吸收广大听众的意见，知道他们的需求，能以平等的地位与音乐家共同切磋琢磨，理解他们的甘苦。

　　音乐是表达或寄托人们感情的 " 艺术语言 ", 它比一般的语言更直接地传达情感 , 并且 , 它始终与美感结合在一起。它不受人种、民族、国家、 地域、时代、阶层、职业等的限制 , 但存在一些微小的 个别差异及各自特色。 音乐是人们抒发感情、表现感 情、寄托感情的艺术 , 不论是唱或奏或听 , 都内涵着及关联着人们千丝万缕的情感因素。即使以叙事为主的歌唱 , 音乐也并不全依靠语义来传达内容 , 而必定会用赋有感情的 " 音乐语言 " 和赋予美的因素， 来表达或烘托或寄托感情 , 即使是附有歌词的声乐曲 , 其表达感情主要的仍是音乐本身。在综合艺术中 ( 如戏剧、舞蹈、影视等 ), 也总是当需要抒发感情之时 , 就常常让音乐来负担 , 借音乐的抒情性能 , 把情感表露出来 , 并有所渲染、强调、夸大。

音乐的本质是真、善、美。每一曲美妙的曲子都是由作曲者灵魂构成,是作曲者内心写照。所谓的作者不一定是名家歌手，能够体现情感的声音都能称为音乐。音乐的美妙影响人类学习、生活、工作、休闲、娱乐。 音乐的特征是以声音为表现手段的艺术形式，意象的塑造，以有组织的音为材料来完成的。因此，如同文学是语言的艺术一样，音乐是声音的艺术。这是音乐艺术的基本特征之一。作为音乐艺术表现手段的声音，有与自然界的其他声音不同的一些特点。 扩展资料： 音乐的特征要素： 1、曲调：曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是音乐形式中最重要的表现手段，是音乐的本质，是音乐的决定性因素。曲调的进行方向是变幻无穷的，基本的进行方向有三种：“水平进行”、“上行”和“下行”。 相同音的进行方向称水平进行；由低音向高音方向进行称上行；由高音向低音方向进行称下行。曲调的常见进行方式有：“同音反复”、“级进”和“跳进”。依音阶的相邻音进行称为级进，三度的跳进称小跳，四度和四度以上的跳进称大跳。 2、节奏：音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。我国传统音乐称节拍为“板眼”，“板”相当于强拍；“眼”相当于次强拍（中眼）或弱拍。 3、和声：和声包括“和弦”及“和声进行”。和弦通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向（同时）重叠而形成的音响组合。和弦的横向组织就是和声进行。和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用；还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。 4、力度：音乐中音的强弱程度。 5、速度：音乐进行的快慢。 6、调式：音乐中使用的音按一定的关系连接起来，这些音以一个音为中心（主音）构成一个体系，就叫调式。如大调式、小调式、我国的五声调式等。调式中的各音，从主音开始自低到高排列起来即构成音阶。 7、曲式：音乐的横向组织结构。 8、织体：多声音乐作品中各声部的组合形态。（包括纵向结合和横向结合关系）。 9、音色：音色有人声音色和乐器音色之分。在人声音色中又可分童声、女声、男声等。乐器音色的区别更是多种多样。在音乐中，有时只用单一音色，有时又使用混合音色。 参考资料来源：百度百科—音乐本质 参考资料来源：百度百科—音乐 （抽象艺术）

　　人仅仅有审美需要或目的还不够；他要成为审美主体，还应具备审美能力。假如不具备审美能力，即便有强烈的审美需要，人们也不能与音乐发生审美关系。因为没有审美能力的人无法将音乐作为自己的审美对象。这里存在着音乐耳朵与非音乐耳朵的区别。“内行看门道，外行看热闹”，说的就是这种区别。不具备围棋知识的眼睛，看不出棋盘上的风云变幻，感受不到险棋妙招的惊心动魄。同样，非音乐的耳朵只能听到音乐的声音，但听不出音与音之间的关系，感受不到音乐各层面的美妙组织或特殊韵味。（参阅《艺术深层心理分析》）正因如此，马克思才说，对于非音乐的耳朵，再美妙的音乐也没有意义。“对牛弹琴”说的也是这种情况。非音乐的耳朵只有日常经验，而没有足够的审美经验。音乐的耳朵是音乐教育和审美经验塑造的。
　　审美目的下的欣赏，是出于审美需要，而不是其他功利需要。只有出于审美需要，才有可能和音乐发生审美关系，音乐美的呈现才有可能在审美过程中实现。假如人不是出于审美需要而选择音乐，那么，他与音乐发生的关系必然不是审美关系。例如，出于了解或分析目的而听音乐作品，只能是认识活动；人与音乐构成认识关系，人是认识主体，音乐作品是认识对象。出于各种非审美的目的（宣传、教化等）而接触音乐，人与音乐之间所发生的只能是功用关系；人是功用主体，音乐是功用对象，即被利用的对象，也就是工具。

音乐教学评价不仅仅是单纯地评价音乐教师的优劣，而是通过对教学过程中各个因素的测定、分析和评价，发现音乐教师教学中值得肯定的做法及教学中存在的问题，以保持其合理部分，摈弃其不合理部分，达到优化音乐教学方法和手段、全面提高教学质量的目的。 音乐教学评价有着导向作用，起着引导评价对象朝预定目标前进的作用。音乐教学评价的目的与标 准将直接引导评价对象向标准方向努力。也就是说，评价的内容与标准，提示和引导了评价对象在教与学的过程中做什么，怎么做，促使评价对象在课堂教学操作 中，逐步地养成一种自觉地行为，达到“自律”的境界。因此，音乐教学评价就像一把“标准尺”，对教育教学的发展起着“定标导航”的作用。

什么是音乐评论？ 音乐评论的本质是什么？音乐评论有何属性？ 这是音乐评论学必须首先回答的问题。需要说明的是，在这里，作为音乐评论学研究对象之一的音乐评论的本质与属性，是一般意义上的音乐评论的本质与属性，而不是具体的音乐评论类型中所关注的属性与本质。在这个层面上研究音乐评论的本质与属性，是通过把音乐评论与音乐活动中其它环节进行对比与比较来认识的，也就是说，要研究与音乐创作、音乐演奏、音乐教育、音乐欣赏有本质区别的音乐评论的本质与特征。　　音乐评论的本质即什么是音乐评论的问题。薛良认为“ 音乐评论是一种普遍的艺术心理活动， 是对音乐刺激的反应， 反应也就意味着评价”[1]。修金堂则认为“评论的本质是评价，即对被评对象进行价值判断”[2]。在《艺术概论》中，编著者认为“从一定的阶级立场，观点出发，对艺术作品和文艺家的成败得失， 是非功过作出评价，便是艺术批评，也可以叫做艺术评论。”[3]从以上观点可以看出：目前，对音乐评论的本质的认识，仍然局限在评价的范围内。笔者认为，“评价”一词不能全面地概括与反映音乐评论的全部本质，音乐评论除了评价之外，还有分析、总结、研究、创造的一面。例如，戴鹏海在《全方位的音乐教育实践》[4]一文中对音乐家贺绿汀先生音乐教育实践的评论，实质上是对贺绿汀先生一生中所涉及的音乐教育实践活动的总结； 而蔡仲德在《青主音乐美学思想述评》[5]一文中对音乐家青主音乐美肇庆学院学报第30 卷学思想的评论更显著地表现出分析、研究的一面。戴鹏海在《勇于探索的成果———歌剧〈大野芳菲〉的音乐特点及其他》[6]一文中对歌剧《大野芳菲》音乐特点的评述则偏重于研究。综上所述，笔者认为：一般地讲，音乐评论的本质是对音乐现象的理论研究，是对音乐现象的分析、总结、评价的总合。在具体的音乐评论实践中，对一项具体的音乐现象的评论，研究、分析、总结、评价等诸方面可能并不一定都要面面具到，而是有所侧重。　　由于音乐评论学是音乐学的一个分支学科，所以，从本质上看音乐评论与音乐学具有相同的观察对象，即音乐现象。但是，二者对同一个音乐现象的观察角度、研究目的是不同的。音乐学对音乐现象的研究， 是从宏观角度， 把音乐现象作为一种艺术现象来研究的。音乐学研究音乐现象是为了搞清楚音乐的本质、属性、产生、发展、作用、功能等音乐艺术规律。而音乐评论对音乐现象的研究是从相对微观的角度，把音乐现象作为音乐艺术活动中的一个具体环节来加以研究的。　　音乐评论对音乐现象的研究并不是直接对音乐艺术规律的认识与探索，而是通过对具体音乐现象的分析、研究及评价，来积极引导音乐艺术现象朝着正确的方向发展，宏扬时代主旋律， 发挥音乐艺术及音乐评论在促进社会物质文明与精神文明建设中的积极作用，避免音乐艺术现象及音乐评论在社会生活中的消极影响。

作为一部最新的贺岁大片，3D特效技术也给《智取威虎山》插上了视觉奇观的翅膀，譬如经典的“打虎上山”桥段就在电影中呈现为栩栩如生的杨子荣打老虎场
景，看来给人以身临其境之感。而杨子荣在座山雕帐下的应对、解放军小分队在夹皮沟的抗匪战，又让人想起《新龙门客栈》《七武士》等武侠剑戟片里的刀光剑影
和令人忍俊不禁的滑稽趣味——这一来二去的，已然把《智取威虎山》锻造成了一部思想性、艺术性、观赏性“三性统一”的年度大作。当然，这里也要特别提及
《林海雪原》小说原作者曲波先生遗孀刘波女士的大度，老人家给了徐克以空前的创作自由度，声言：“随便改，只要拍得好看就行。”此一态度，想必是不少电影
人梦寐以求的。





《智取威虎山3D》，徐克说了一句话：“其实答案就是一个专业，找对专业的人，做专业的事。”窃以为这就是徐克的从影之路，也是《智取威虎山3D》的制胜之道。








《智取威虎山》开机照





电影作为一个“专业”，是可以从不同角度进行各种阐释的。在我看来，徐克意义上的“专业”，意味着密切关注世界电影工业进展，努力引领中国电影创意生产，
并在不求完美、善于变通的情况下，最大限度地展现自己的思想、情感追求，发挥自己的技术、艺术才能。正是因为这种“专业”素质，徐克才能将年轻时代在海外
的样板戏观影体验及其对中国文化的家国想象留存在心底几十年;也才能建立在开放的历史文化观念、不羁的影音想像力和丰富的类型制作经验基础上，利用自己有
意识培养的3D团队，引进针对性的国际顶尖CG技术，创造性地重述共和国的叙事经典，不仅成功地激活了为主流意识形态所张扬的红色文化资源，而且在各种不
同的观众群体中获得了较为广泛的认同。





实际上，为了在“专业”的意义上运作《智取威虎山3D》，年逾六旬的徐克仍然选择去到中国东北的林海雪原，在自然条件非常艰困的拍摄现场亲历亲为，还保有
着在非常恶劣的交通状况下执意上山亲勘雪景的劲头。这种为了电影不顾生命危险的“英雄”举止，无疑可对影片剧组形成不可多得的激励效应。这一行为，与其说
是对战争年代英雄先辈理想信仰的尊崇，不如说源自徐克自己对影人职业的理解和对电影专业的期许;所谓“敬业”，即是对影人职业的热爱，也是对电影专业的敬
重。实际上，这部酝酿了很长时间，准备了5年之久的影片，从2011年拍摄《龙门飞甲3D》时就开始形成了比较稳定的“专业”团队。《智取威虎山3D》跟
《龙门飞甲3D》在主要出品人、制作人、摄影、配乐、动作指导等方面都是大约相同的班底;特别是其3D团队D
公司，以开启和提升华语电影3D技术为职志，经过反复摸索和努力探求，不断积累着相关领域极为难得的经验和教训，至《智取威虎山3D》已达令人满意的较高
水平。以徐克为中心，一批“专业”的人，做着“专业”的事，正在有力地引领并逐渐地改变着中国电影的技术水平、类型景观、产业格局和工业进程。





不仅如此，作为全片贯穿人物，徐克特意指定韩庚饰演的新角色，从美国硅谷来到中国东北寻根，全身散发出当代偶像魅力，不仅负责询唤银幕之外的大量“粉
丝”，而且显示出徐克不愿放弃的、以历史训喻现实的教化意图;同样，苏翊鸣饰演的小栓子，也是新片成功新增的人物形象。在徐克看来，从失家悲情走向少年英
雄的小栓子，不仅会让年轻观众产生亲切而又直接的代入感，而且能够更加有效地传达出影片的新意旨。当然，余男饰演的青莲也是新加的角色，跟梁家辉饰演的座
山雕一起，虽然具有令人过目不忘的造型效果和表演水平，但导演的努力似乎并未达到预设的目的。





无论如何，《智取威虎山3D》也成功地打上了导演徐克的印记，不仅具有“专业”素质，而且具备较大的票房号召力。在当代中国导演群落中，似乎只有徐克一人，一直在以“专业”的电影工业标准，经营着这种个性鲜明的作者电影。





徐克及其《智取威虎山3D》给予当下中国电影最大的启示和贡献。在这样的电影观念里，任何独断专行的电影检查、冷酷强势的资本力量、恃才傲物的个人言行，
以及始终高蹈的精英话语、娱乐至死的粉丝群体等等，都会日益丧失存在的土壤;也只有在电影作为“专业”的视野中，得过且过的技术、头晕目眩的3D、低俗无
度的恶搞以及空虚无聊的故事情节、底线丧失的价值观念、票房口碑的巨大落差等等，才会真正在中国电影里消失。

　　你参考这个，懒得写了

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　　平白，应是人类共同情感之结晶
　　---赏析＜常回家看看＞

　　世界上最短的歌词就是一句话：祝你生日快乐，但它却是世界所有人的。为什么只有一句平常的话，却有如此大的震撼力，能让世界上的所有的人认同和倾心？这就涉及到人类共同的认同心理，更涉及到共同的美好情感。如果换用一句行话来说，就是你的作品具有的读者群，或是读者的情感的焦聚点是不是在你的歌声中。通俗歌曲，本应是一个群的问题。爱情，这是人类的共同语言，有人说是人类永恒的主题，这应“群”范畴概念，可写爱情又必须要问：到底是多少人的情？是那一部分人的爱？能引起多大范围的共鸣？这的确需要有一个定位。

　　少男少女的爱情有：朦胧的，热恋的，丢失的；这是一个群，于是有了追星族，发烧友，可又引他们向什么方向去，到什么位置上，能持久多长时间，却是又一个问题。康定情歌，是一首民歌，也可以看着通俗歌曲吧，为什么有着永恒的魅力；而有一些通俗歌曲，生命几乎只有几天、几月，这不能不说它仅是几个人的哼哼曲，或者说只是个人的内心的独白，不具备人类共同的情感，只能成为流产的怪胎。

　　《常回家看看》是由车行作词、戚建波作曲、陈红演唱，在1999年的春节联欢晚会上推出的作品。这首歌开创了亲情题材的创作范例。歌名的立意就十分明显，意在劝诫忙碌奔波的人们不要忘记操劳一生的父母，写出了这种对老人、对父母的关爱和对亲情的怀念。整首歌没有大而空的警世口吻，而是采用了近似白描的语言，将日常生活中的许多细节自然地融人歌曲中，给人的感觉亲切、体贴。

　　《常回家看看》呼唤亲情回归，尽管在一定程度上反映了经济发展中出现的人性淡漠和漠视亲情等一些社会性的问题，但更重要的是它能折射出人们对真情的企盼和渴望，呼唤人性在商业化日益发展的今天回归；它冲破了当时充斥着小资情调和自我意识泛滥的情歌内容，突破了某些无病呻吟的情歌的那种“无病呻吟强说愁”的模式，因此受到社会不同年龄段尤其是中年听众的喜爱。

　　歌词是平白的，平白得如家常琐语，“洗洗筷子，刷刷碗”，“捶捶后背，揉揉肩”看似没什么文学价值，可却引起所有的儿女共鸣，所有的父母共鸣，不，应是所有人的共鸣，因此一个春节晚会的第二天，即大年初一，一个极其吉利的日子，神州大地，争相传唱。由此看来，人类的共同情感，汇聚在一起，这就是艺术，更是艺术的极品。

　　真正的文学，真正的文学性，应是人类的共同情感的汇聚。要想写出这样的作品，就必须有高超摄取生活的典型素材的慧眼和技巧。

　　现在我先来看摄取典型素材的慧眼。我们说对人性的开掘，亲情题材往往比偏重于个人感受的爱情更具有深度和广度。为什么，道理很简单，个人感受的爱情，由于爱情观不同，爱情的价值取向不同，就有不同的层面，如果你表达的是人类共同的爱情观，那么必定是大家认同的，而在当今社会，由于社会的变革，人们愈来愈走向大社会，寻找外面精彩的世界，因此家庭观念带来裂变，即如家庭由谁来主持，按照我们社会的传统，应是长辈来当家，可是随着思想观念和经济主体变化，这一根本问题也发生了变化，就不用说爱情了，爱情观念当然在一些人的心目中也有相应的改变，这是传统和现代的撞击，这是一种原因；而另一种原因，在爱情上，是理想和现实的撞击，比如地域问题，文化问题，民族问题，理想问题，年龄问题，等等，我们说分类越多，广度愈狭小，撞击的领域越广，深度愈肤浅，因此个人感受的爱情远不如亲情具有更广泛的深度和广度，当然我们并不是说爱情题材就没有深度和广度。

　　然而正如前文所说，社会因为是一列高速行驶的列车，人们已经不在一个狭小的地域范围内工作、生活、学习，再加上生活节奏变快，漠视亲情的现象也时有出现，这就从相反方向上引起人们要呼唤其回归；同时人性的醇化和延伸，更能引起人们对亲情的渴盼，在这一问题上，是人类共同关注的，打开世界文学，母爱是一个共同的咏诵的永恒主题，悖逆对长辈的关爱是受永恒的批判的黑洞，即如批判现实主义的作品，也常常因此而放射出艺术的光芒。但是亲情的价值观也是在发生深刻的变化的，比如什么是忠孝，什么是光宗耀祖等等，今天与传统的撞击火花更是耀眼，这就要作者在写这方面有独特的慧眼，写什么，怎么写，既要写出传统的道德伦理，又要写出现代的文明时尚，《常回家看看》为我们提供了成功的范例。他抓住的是生活细节，“哪怕帮妈妈洗洗筷子，刷刷碗”，“帮爸爸捶捶后背，揉揉肩”，这既是亲情的典型浓缩又是生活的动情的火花，它形象地在人们眼前展现出温馨和谐的尊老爱幼氛围。更有那家常话，平常语：“老人不图儿女为家做多大贡献啊”，“一辈子不容易，就图个平平安安”，“就图个团团圆圆”。让人分享的亲情的芳香，老人的笑容，子女的欣慰。

　　然而上面所说仅是理性的光辉，我们说作者更具备技巧性，他懂得，所感人的重要的是细节，歌词的开头，“找点时间，找点空闲，领着孩子常回家看看，带上笑容，带上祝愿，陪同爱人常回家看看。”歌词说出了时代的特征——快节奏的工作，说出了老人最盼望的珍爱——“孩子（孙子、孙女）”，说出了中国传统的人文精神——带上笑容、带上祝愿，说出了中国式的家庭憧憬——陪同爱人（四世同堂与子孙和睦），这些看似琐事，实为深厚的文化内涵。歌词的第二段更华彩，作者的惜墨如金，一句“妈妈准备了一桌唠叨，爸爸张罗了一桌好菜”，却极富表现力，如果金圣叹阅此，必加一注，或为“神来之笔，吾当大叹矣！”为什么，“唠叨”用“一桌”，谁想得出来，王蒙有一语“亏你说得出来”，以此评点，岂不大妙？“好菜”用“张罗”，看似闲笔，更极具神韵，其间蕴涵多少亲情话语，亲情情感！而儿女呢，作者这样说“生活的烦恼向妈妈说说，工作的事情向爸爸谈谈。”以上看似家常语，但平字见奇、见险，鲜活透了，真正是“唯陈言务去”！这样的歌词，不能不说歌词作者具备极其独到摄取生活素材的慧眼。正是这生活的琐事的摄取，才使得歌词具备穿透人心灵情感的力量，才使得歌曲具备永久不衰的艺术魅力。

　　歌词已经具备了如此艺术魅力，而曲作者更是穿透歌词的内涵，通过音乐语汇材料使其艺术升华。这首歌音乐部分简练平实，4／4拍，采用的是我国运用较多的微调式。结构类似于三段式，A段“找点空闲……向爸爸谈谈”；B段“常回家看看……平平安安”；最后是D．S，再回到A段“向爸爸谈谈”，之后结束。A段中前两句是旋律相同的两个乐句，8小节。在“找点”、“带上”、“领着”、“陪着”这些词上，用了四度(51)或(61)三度的进行。在“空闲”、“时间”、“看看”这些词上，用的是(55、22)同度的进行，使得这些句子十分的口语化。后两个乐句，10小节。在“唠叨”、“好饭”、“说说”、“谈谈”这些词上，都用的是下行音阶(432、543)或波动音极(312、231、565)的进行。以下行节奏形态发展，音节段落大都在第二拍(弱拍)的弱拍上，休止符运用较有规律，大多都在第三拍的弱拍或第四拍上，这使得整个乐段节奏显得洒脱轻快。B段有较强的抒情性格。由于歌词的句子长度增加，乐句的节奏密集、紧凑起来，像是在“说”。但曲作者较多地使用了连音，而且旋律也开始起伏，朗朗上口，又像是在“唱”，这样“唱”、“说”结合，成为听众的记忆亮点。

　　而歌手呢，更是艺术再创造，陈红深深懂得，人类共同情感表达的技巧，她用清纯甜美、朴素大方的演唱特色，让人感到一种孝顺、温柔的性情，给人一种温暖贴心的感动，一派中国式过年的温馨，大年三十晚上，人们听了，谁不为之动情，谁不由衷喜欢，从心里，从五脏六腑。老人流泪了，子女真情了，家庭温馨了，社会和谐了。

　　正是以上这些因素，使这首歌曲成为90年代中国歌坛低迷状态时的一首难得的好歌。

　　通俗歌曲是人们所喜爱的。要写，就要写出老百姓喜爱的歌，要唱，就要唱出老百姓动情的歌。这是真正的艺术，什么评论家的评论也赶不上老百姓的一句：“喜闻乐见！”好的流行音乐从来都是因为唱出了人们的心里话而流传不息的

　　Let Go(2001-2003) 在16岁时， 爱丽斯塔唱片（Arista Records）的"艺术家与曲目(A&R)代表Ken Krongard与她签约。Ken Krongard把艾薇儿带到纽约市的一个录音室录音，并邀请了他的老板，爱丽斯塔高层之一Antonio L.A.Reid，去听她的演唱。Antonio L.A. Reid肯定了艾薇儿的音乐才能，并让她完成了她的第一张专辑。 《Let Go》 (2002)曾被报道为：“早期为她写歌但她没有满意，最后Lavigne 搬到了California（加利福尼亚州）Los Angeles（洛杉矶）与Clif Magness 和歌曲创作团队The Matrix共同创作专辑，与她一起工作的还有Sheena Easton与克里斯丁。”她说她的第一张专辑《Let Go》是一张包含“数首摇滚歌曲”的流行音乐（POP）专辑，并表达希望创作更多摇滚歌曲的愿望。 Arista 在美国2002年6月4日发布了这张专辑，在那儿的排行榜达到第2位并在澳大利亚、加拿大和英国的排行榜上得到第一(使得Lavigne这位年轻的女艺术家拥有了英国第一专辑)。 这张专辑在不到六个月的时间里获得了RIAA（唱片工业协会）的四次白金认证，到2004年十二月时已在全球销售了一千五百万张。 四张单曲发布时都取得了很好的结果。"Complicated"在澳大利亚取得排名第一的同时，在美国的“热门单曲100（U.S. Hot 100）”上取得了第二的位置，也是加拿大2002年销售量最好的单曲。Sk8er Boi 在美国进了前十，在澳大利亚和加拿大都是第一，I'm with You在美国进了前五，同时Losing Grip在加拿大和台湾分别取得了第一和前十，在智利也进了前二十。媒体总是拿艾薇儿 酷酷的 Avril
　　与艾拉妮丝·莫莉塞特比较，她也是加拿大人，同时也是一个像Vanessa Carlton 和Michelle Branch的创作型歌手，她与艾薇儿在相同的时期出现并流行，也是面向青年音乐市场推出的创作型歌手。 艾薇儿在2002 MTV 音乐录像带大奖（Video Music Awards）上获得了“最佳新人（Best New Artist）”称号，在2003年的Juno Awards 上获得了六个提名中的四个奖项，也获得了在世界音乐大奖（World Music Award ）上“世界唱片销量最高的加拿大艺术家（World's Best-Selling Canadian Artist）”的称号，同时也获得了八项格莱美奖（Grammy Awards）的提名Avril一直都希望自己有一天可以站在舞台上唱歌，然而她做到了。当唱片公司听到她的歌声后立即与 Let go
　　她签了约，而有些人要花10年时间才能谈到合同，所以连她自己都认为非常的幸运！ 在搬到纽约后，艾薇儿马上开始了唱片的创作，当2002年她拿到自己的首张专辑CD时，便踏上了完全不同的人生道路。只出了第一张专辑就立刻迅速地走红、成了万人迷的偶像歌手。而她还不满18岁。这张名为《展翅高飞（Let Go）》的专辑全球销售高达1500万张，无俚头式的穿著迅速获得大批乐迷的支持，滚石杂志(Rolling Stone)选出艾薇儿是2002年的年度风云人物(People of the Year)， 而新闻周刊(Newsweek)更提早预告艾薇儿是2003年的最佳年度艺人(Artist of the Year) 。 《Let Go》专辑中，她炫耀似的唱腔活力四射，嗓音一如水晶般清澈，歌词更是流露出纯粹的女性风格。“Anything But Ordinary”是一首赞扬个体独特性的颂歌；吉他奔驰的首支单曲“Complicated”，是首正中爱情骗子要的简洁歌曲；沾染了弦乐色彩的“I’m With You”反映了Avril较为温和的一面： “Losing Grip”和“Unwanted”这些歌曲，勇敢地面对了拒绝与背叛这些主题所需要的沉重与悲哀；而接下来的“My World”与具有暗喻意味的“Mobile”，则是完美的舒展了Avril的生活经历。 “我有了这个让人肃然起敬的机会去实现我的梦想。我跑遍了各个地方，飞到这儿、飞到那儿，每天遭遇不同的事物。”她解释道。“这就是我的生活方式，但是我不愿意去过正常的生活，不然我会觉得很无聊”。总之这是一张“绝对不一般”的专辑。
　　第二张专辑
　　艾薇儿于2002年发行的首张专辑“展翅高飞”，在全球乐迷心目中，建立了一个不随波逐流、特立独行的清晰印象，一举将艾薇儿推举为新生代最具代表性的女性新声音以及新样貌。在创下全球近一千五百万张惊人的专辑销售佳绩，并且荣获八项格莱美奖提名之后，这一个加拿大籍的摇滚女孩，即将再以其全新力作Under My Skin席卷全球。 如果你期待这一回的艾薇儿，将会带给世人与上一 under my skin
　　张专辑相同风格的歌曲，那你就大错特错了。因为就正因为艾薇儿是艾薇儿，她绝对不是一个会在闪耀的得奖光环以及无数的摇滚桂冠之下歇息止步的艺人。Under My Skin这张专辑以非常戏剧性的歌曲Take Me Away以及Together这两首歌曲作为开场，这样的用意是为了第一波的主打歌曲Don'tTell Me做极佳的情绪铺陈。Don`t Tell Me这首单曲，充满了重节奏的吉他伴奏，绝对是一首深受电台欢迎的畅销单曲；同时，这一首充满女力以及伸张女性主权意识的歌曲，更延伸了专辑“展翅高飞”之中的单曲超复杂Complicated的意境以及延续其深层意义。 此外，全球乐迷若听见He Wasn`t这首单曲，也一定会对其中的吉他主奏大喊过瘾。另外Who Knows这一首歌曲，更叫人忍不住的跟着摇头，融入节奏之中。而Freak Out这一首单曲，更是带领着听众天旋地转，猛暴性的流行动力保证让大家大呼过瘾。而一些较为慢板，表达情感、略带忧虑的单曲，像是Forgotten以及Nobody`s Home，也将艾薇儿内心深层忧郁、悲伤的那一面，用音符以及其寓意，赤裸裸的呈现在大家面前。 艾薇儿表示：“我在这两年当中，成长了许多。我经历了许多事，也体验了许多生命中的酸甜苦辣。我的歌曲都是我对周遭事物的体会以及表达，每一首歌曲对我来说，都是非常私密的个人经验以及最真切的生活体验。”这一次共同参予艾薇儿全新专辑的制作人，包括了：巴奇沃克(Butch Walker，the Marvelous 3的制作人)、 瑞梅达(Raine Maida ，Our Lady Peace的制作人)、 唐吉尔莫(Don Gilmore ，l林肯公园Linkin Park以及珍珠果酱 Pearl Jam的制作人)。 艾薇儿并且共同参予写作了Under My Skin专辑中的12首歌曲，而这些歌曲都是关于曾经发生在艾薇儿周遭的真实故事。
　　第三张专辑
　　《The Best Damn Thing》以眩目的、即兴发挥的吉他伴奏形式出现，伴随即刻可以让人记住的旋 The best damn thing
　　律、副歌部分以及不变的叛逆摇滚态度。这标志着她摆脱了黑暗，音调仿佛是对《Under My Skin》的反省。同时Avril也乐于为她的歌词营造一些情节，如她所说的，这并不是直接出自她的日记。现今我们听到她的一系列作品，展示了她如何慢慢发展为一个曲作者和歌手，从那首时髦的初出茅庐的“I Can Do Better”（Avril的个人最爱之一）到这首难以抗拒的专辑第一主打单曲“Girlfriend”（此歌出乎预料地在朋克摇滚的旋律里融入了嘻哈节奏，强劲的和音、掌声以及饶舌式的女生组合和声）；到为20世纪福克斯公司的传奇电影《Eragon（龙骑士）》录制的动人情歌“Keep Holding On”。 作为一个对流行乐有着敏锐感觉并且训练有素的艺人，Avril将自己的热情投入到了《The Best Damn Thing》专辑制作的方方面面：从独立创作她自己的歌（她强调：‘在这张唱片制作过程中没有公司A&R人员的参与，我非常明确地知道我想要怎样的作品’）到选择制作人和音乐上的合作伙伴。在录音室里她近乎苛刻地来回调整吉他的音调及鼓点，以期能做出迄今为止她个人的最好专辑。所有的努力最后化作一道冲击波，“我根本没有想到制作一张唱片会那么有趣”她说道。也有一些制作大师为这张专辑贡献了他们的制作技术，其中包括Dr. Luke（Pink, Lady Sovereign），Butch Walker（Avril的老朋友，曾参与Under My Skin的制作），Rob Cavallo（Green Day， My Chemical Romance，Goo Goo Dolls），以及艾薇儿的丈夫Deryck Whibley（Sum 41成员）。关于和已经为她之前专辑共同创作过好几首出色作品的Dr. Luke的再次合作，她说：“Luke和我之间有很好的沟通和化学反应。”他们在录音室的制作过程中充满了轻松的气氛：你可以在I Can Do Better中听到Avril的笑声，而在“Girlfriend”的最后几个和声中她说甚至可以听到吹奏啤酒瓶的声音。 《The Best Damn Thing》这张专辑中有四首歌是Avril和她以前乐队的 B-Side B-SIDE这一称谓源自胶木唱片时代，当时唱片公司发放给电台的唱片称之为A-SIDE，A-SIDE为打榜歌曲。而胶木唱片还有一个面（B- SIDE），不用白不用，于是就刻上另一首不太重要的作品。进入CD时代后，SINGLE这种唱片模式被保留下来，CD唱片只有一个面，但在SINGLE 唱片之中仍收录了一首或几首不重要的作品，这类作品沿用了旧时代的称谓，称为B-SIDE 这张B-SIDE收录的大概是Avril尚未正式出名的一些没有被正式发行的创作，当然其间也包含了一些日后在专集中出现的单曲例如things i‘ll never say以及american wedding的OST里面出现的那首i don’t give a damn，稍有些不同的是这张里面的i don‘t give a damn可以说是一个dirty版本，副歌里面出现了shit这个不雅的词汇。这张B-SIDE里面还有一首叫做let go的歌曲，它的名字个AL的处女碟的名字相同，但是这首歌却并没有出现在那张碟中，这个问题很值得推敲一下。专集中其他的歌曲都是AL的早期的风格，也就是说接近let go那种青春的张扬，所以对于喜欢早期AL的fans来说，这张B-SIDE还是很具有收藏价值的。 2010首播主打歌 Alice (Underground) 艾薇儿给Alice in Wonderland写的主题曲 正式版时长：5 ：00 Release: 2010.2.2 Genre: Rock / Alternative 2009年3月Max Martin宣布他和艾薇儿正在制作第四张专辑，并将于2011年03月08日发布。并且Isaac Carpenter、Sum 41和Evan Taubenfeld。 另一方面艾薇儿将在Lil Wayne5月发行的新专辑《Rebirth》与其有合作。 艾薇儿参与制作Rihanna的新歌cheers，这首歌去取样了艾薇儿之前

首先，要摸清评论对象和现象的精神脉络。写音乐评论也同创作活动一样，需要被评论对象所触及，必须有写作冲动。

第二，评论文章应该旗帜鲜明、点穴到位。坚持什么，反对什么，一目了然，而不是环顾左右而言它，闪烁其词隐埋观点。对成绩的肯定、对问题的揭示，需切中要害，不做“老好人”。曾有一篇评价知名作曲家交响乐的文章，在前面肯定其音乐成就的基础上，话锋一转“歌词不知何人所写，值得商榷”，点到了软肋。

第三，对作者和作品的评价应该符合客观实际，避免夸大其词。现在“大师”满天飞。这一方面说明评论者的无知，对被评论的人物和作品的艺术地位和成就价值没有做横向和纵向的比较，匆忙下结论；另一方面说明社会的浮躁功利对评论者的负面影响。如果独具慧眼，有充足的理由向时代和人民举荐合格的“大师”，才不失为真正的评论家。

第四，音乐评论要坚持“三真”。即说真话、动真情、讲真理。今年全国人大政协“两会”，钟南山痛批两会歪风“发言10分钟 8分钟歌功颂德”，引发社会普遍反响。音乐评论也要防止文章1000字，800字套话、空话、假话。要提高评论文章的“含真量”。解决这一难题的最基本方法是评论者要忠实于自己的内心感受。

第五，评论文章要保持作者的独特个性和风格。不同的评论家，语言风格、思想境界、学识学养是不一样的。有的锋芒毕露，有的绵里藏针；有的严谨细致，有的热情奔放；有的言简意赅，有的扬扬洒洒；有的“正面进攻”，有的“旁敲侧击”；组成了音乐评论百花园的万紫千红。当他人被评论文章的精辟论点所折服，被一针见血的分析所震撼之时，也是作者思想观点被传播之时。

第六，音乐评论工作者要能耐得住寂寞、抗得住诱惑。相比较从事表演和创作一线的辉煌与光鲜，评论工作是非常枯燥寂寞的，需要有一颗平静心。有时因为批评触及了一些人的脸面和利益，还会招致一些人的报复与反击。这都是评论工作者必须承受的。如果因为怕寂寞而把手中之笔当成赚钱的工具，那是违背评论者良知和职业道德的。

第七，音乐评论工作者要有一点贵族精神。文艺理论家刘再复认为，贵族精神包括“自尊的精神、原则的精神、低调的精神、淡泊名利的精神”，这对于音乐评论工作者至关重要。如果自己都认为评论可以按照评论对象和领导的要求随意改动，谈什么坚守公正和独立思考的原则？如果自己整天高调生活招摇过市，又怎能静下心来深入研究和精辟分析？如果自己把名利看得过重，评论又怎能以理服人、以情动人，达到理想卓越、精神雄健的境界？

第八，音乐评论工作者不仅是理论家，还应是思想家。仅具有专业知识是不够的，还应该有思想的锋芒。一部作品出现问题，有可能是技术技巧问题，也有可能是思想境界问题（而后者是这几十年很少被提起的）；有可能是一般性问题，也有可能是致命性问题。

现在整个社会出现了稀释崇高、解构精神、泛娱乐化问题，也影响到音乐作品的品味质量以及艺术作品的寿命。音乐评论工作者不仅要通过个别找出一般进行透彻的分析，还要透过现象发现本质的问题，开出对症下药的良方，使音乐评论具有指导性和前瞻性，有利于音乐表演和创作朝着健康的方向发展。

第九，音乐评论具有本体生命，它不是月亮靠太阳发光。而应以其自身的魅力，独立于文学艺术之林，成为人们学习欣赏音乐的良师益友，步入音乐殿堂的金钥匙。只有敏锐、犀利、精准的评论文章，才具有学术价值和社会意义。

音乐创作的价值意义在于通过了解、熟悉、认识等感性及理性活动，得到深刻的审美感受和体验，触发了创作欲望。能引起这种创作欲望的，不仅是大自然与社会生活中所存在的现实美与现实丑，也可能是其他艺术作品如诗歌、文学、绘画、雕刻、戏剧中的艺术美。 作曲家的丰富的生活实践，个人的兴趣爱好、个性、素质，以及各方面的修养对创作欲望的形成有决定性影响。 作曲家对所要反映的生活产生强烈的感情是极为关键的。感情在整个创作过程中都起着重要作用，贯串在创作过程的始终。 扩展资料： 在创意的过程中，突出的要求具体内容与实际音响的对应。为此，作曲家常会反复吟唱（演奏），对所创作的音乐进行适当的修改、调整，求得两者的最佳统一。在这种意义上，创意就具有通过即兴创作与表演两者相互结合而使乐曲逐步定形的特点。 对于创作的奥秘，历史上曾因对音乐艺术理解的不同而有多种说法，也存在着争论。在各种观点中比较共同的一点是强调灵感的作用。 实际上，灵感是一种通过长期艰苦构思活动后产生的一种飞跃现象，往往突如其来，使作曲家得到一种“顿悟”，其出现也往往不止一次。灵感出现时，具体内容与实际音响的对应关系常处于最佳状态，因而能大大推动创造活动的进展。